A poesia está a um passo de acontecer. Ela é urgente. Mas para que, de fato, as obras que integram o recorte da 30ª Bienal de Arte reverberem em versos é, mais urgente ainda o olhar benevolente do espectador. A exposição exige mais que contemplação. "A iminência das poéticas" é, além de tema, a expectativa da grande exposição que movimentou os últimos meses de 2012 no imenso pavilhão localizado no Parque Ibirapuera, na capital paulista, e que desembarca hoje, às 20h, no Museu de Arte Murilo Mendes, trazendo uma reduzida seleção de obras. Os oito artistas estrangeiros e os dois brasileiros despertam para a urgência e a relevância da arte contemporânea no contexto cultural atual, apontando outras leituras do mundo e, principalmente, ressignificando o já feito. Partindo de complexos discursos e lançando mão de elevadas doses de subjetividade, os trabalhos também confirmam algumas teorias que indicam ser o contemporâneo voltado para espectadores exigentes, dispostos a não encerrar assimilações de forma tão rápida.

"A iminência é nosso destino, e nossas armas são as poéticas. Porque elas são a soma de recursos que nos permitem ser donos da expressão: ir além de nós, ser dois e ser, então, todos; ou ser somente nós mesmos, no silêncio, a sós, quando assim o desejamos", reflete o curador da 30ª edição da bienal, Luiz Pérez-Oramas, em material preparado para a mostra. Segundo ele, a imagem não prescinde das palavras, visto que é algo muito mais natural, fruto das experiências de cada um, o que, de alguma forma, justifica a seleção das obras, corroborando a ideia de que o espectador é extremamente relevante para a obra à medida que contribui com sua própria interpretação.

 

Bastam alguns passos, e a primeira obra da mostra, do mexicano Fernando Ortega, quebra, de forma intencional, quaisquer expectativas. Uma formiga caminha por um alfinete que une duas folhas de um ramo. Entre a realidade e as possibilidades de criação de uma nova estrutura, Ortega derruba convenções nas sutilezas de detalhes quase invisíveis. Já nos trabalhos que se seguem, do venezuelano Alfredo Cortina, a personagem presente na série de mais de uma dezena de fotografias está visível, mas nem por isso destacada da cena. A esposa de Cortina foi, ao longo dos anos, alvo dos flashes do marido em inúmeras viagens. Do bucolismo à solidão, a mulher não está no cenário, ela integra cada espaço.

No mesmo espaço entre o que é real e o que é fantasia, o inglês Saul Fletcher parte de composições que conjugam pinturas, desenhos e colagens, utilizando a fotografia apenas como suporte, para a criação de ambientes angustiantes e arruinados. À maneira de Artur Barrio, que desfrutou de um grande espaço na 29ª Bienal, Fletcher recusa o belo, sugerindo outras perspectivas, que não o clássico da arte. Brasileira, Sofia Borges também anseia subverter o clássico, mas na área da imagem fotográfica. Ao mesmo tempo em que a única imagem exposta – o que dificulta a apreensão do amplo discurso da artista – poderia representar um cigarro aceso e quebrado, ou dois braços, ou um tronco, ela pode não significar nada e ser apenas um recorte de uma pintura impressionista.

Apesar de a imagem despertar curiosidades, definindo um lugar ficcional onde Barthes considera existir apenas a verdade, é a impressão em grande formato que chama atenção. Impressa em papel de algodão, em concordância com os grandes museus do mundo, a fotografia possui textura aveludada, ainda mais próxima à arte clássica.

 

 

 

Espaços subjetivos

No centro da exposição, a obra de Sofia divide espaço com os trabalhos, igualmente complexos, dos artistas Andreas Eriksson e Hreinn Fridfinnsson. O primeiro, um sueco, dispõe lado a lado dois galhos constituídos de pequenas partes, representando o efêmero da vida e da natureza, numa preocupação e numa esquematização bastante próxima das questões modernistas. Cheia de dramaticidade, a iluminação, que projeta dois momentos dos galhos, amplia o trabalho, da mesma forma que a montagem das imagens de Fridfinnsson reforça a sugestão do artista.

Nas cenas de um personagem abrindo a cortina de uma janela, o islandês, radicado em Amsterdã, na Holanda, reúne as principais questões de sua carreira: o limite entre o interno e o externo, o pessoal e o público, o velado e o aparente. Impactante, a porta com dois grandes buracos – seria um arrombamento? -, pintados justamente na parte que poderia ser descartada, atualiza e desenvolve o "ready made". Já o vídeo do artista com livros ao vento numa paisagem campestre, revela o percurso de pesquisa de Fridfinnsson, apresentado desde o voyeur até o espaço livre, passando pela linha tênue de uma porta quebrada.

 

Indiscutivelmente um dos destaques da seleção da Bienal, as obras de Frédéric Bruly Bouabré, da Costa do Marfim, discutem questões existenciais do artista e revisam o folclore e os costumes africanos. O painel que ocupa toda a parede apresenta pequenos desenhos, simples em suas formas e executados com materiais nada sofisticados, acompanhados de frases. Em uma das obras, paira no alto o que seria um título: sublime pintura. No centro, escrito em francês, figura a frase: "não sei porque estou tão cansado". O equilíbrio entre fina ironia e sensibilidade, produzido em linhas toscas e gestos simples, destoa das obras dos outros nove artistas justamente pela ausência de pretensões e pelo forte tom emocional.

Outro destaque, o trabalho de Alair Gomes, um dos maiores nomes da fotografia brasileira, não se apresenta em grandes dimensões, mas, no pequeno formato, salta aos olhos o movimento dos corpos retratados pelo artista, reconhecido pela sensualidade presente em seus homens dionisíacos. Em P&B, as imagens são tomadas como composições musicais, mantendo-se, de forma inegável, numa linguagem contemporânea que desfaz a leitura temporal do termo.

 

Tanto o trabalho Han Eijkelboom quanto o de Ambroise Ngaimoko, um de frente para a outro, demonstram a importância da experiência para a arte. Delimitando o tempo, registrando a data e com uma câmera presa ao abdômen, o holandês Eijkelboom fotografou em diversas cidades do mundo as coincidências de vestuários, desde a estampa do Mickey até o pop Che Guevara. Nos retratos, o artista confronta as noções de identidade, sem estabelecer eloquentes recursos técnicos, o que aproxima o espectador, criando imediatas identificações. Já Ngaimoko, natural de Angola, reúne sua série de imagens capturadas no Studio 3Z, durante a década de 1970. Em poses e vestidos em suas melhores roupas, os personagens são apresentados entre a naturalidade e o comedimento.

A exposição itinerante, que já passou por Belo Horizonte, e ainda deve percorrer as cidades de São José dos Campos, Ribeirão Preto, Bauru, Campinas, Araraquara e São José do Rio Preto, inaugura o projeto educativo de aproximação do museu com as escolas da cidade. De acordo com o pró-reitor de Cultura Gerson Guedes, cerca de 300 escolas já foram contatadas, e a expectativa é que aproximadamente três mil pessoas, entre crianças e jovens, visitem a mostra com incentivo do projeto. "A Bienal abre esse momento de reflexão. Nosso objetivo principal é incentivar um olhar questionador", afirma Gerson. Para Nícea Nogueira, diretora do Mamm, os trabalhos expostos produzem alta identificação com o espectador. "A fotografia, predominante nesse recorte, democratiza ainda mais o acesso à bienal. Há inúmeras leituras de mundo que essa exposição fornece", aponta.

Retomando o poeta que dá nome ao museu, Guedes enfatiza: "Quem não encontrar poesia no infinitamente pequeno, jamais a encontrará no infinitamente grande". Além da 30ª Bienal de São Paulo, o espaço também inaugura hoje as mostras "Murilo Mendes: O passeante moderno dos museus", com reproduções de obras conhecidas pelo poeta, e "Homenagem a Kounellis", de Cesar Brandão, o único artista juiz-forano vivo a integrar uma bienal.